ASSOCIATION METIS

Ce cursus propose l’apprentissage des chants traditionnels grecs issus de Macédoine, Thrace, des Îles de la Mer Égée, d’Asie Mineure, ainsi que des chants populaires urbains nommés Rébétiko. La formation combine transmission orale et travail sur partitions, avec un accent sur les ornementations, les rythmes et les techniques d’improvisation. Les cours incluent la pratique individuelle et collective du chant et des percussions, l’analyse musicale, l’écoute d’enregistrements de référence et la théorie. Accessible aux débutants comme aux chanteurs expérimentés, le programme vise à développer la maîtrise technique, l’autonomie musicale, la créativité et la capacité à travailler en ensemble.

Cette masterclass propose un parcours progressif et immersif pour découvrir l’oud et les grandes traditions musicales du Moyen-Orient. Les participants explorent la technique instrumentale (pincement, posture, ornementations), les modes traditionnels (maqâm), les rythmes et formes musicales, ainsi que les contextes culturels et historiques des répertoires arabes et ottomans. Le programme combine pratique individuelle et collective, improvisation (taqsim), écoute et analyse d’enregistrements de référence, ainsi que travail sur un répertoire issu des anthologies Sharqiyat et des œuvres de grands maîtres du oud. L’accent est mis sur le son, l’expressivité et le développement d’une interprétation personnelle respectueuse des traditions.

La musique du Moyen Âge se transmettait initialement uniquement oralement. Si les manuscritsdisponibles actuellement ne nous en offrent qu’une sauvegarde partielle, il est force de constater que lavariété de styles, de langues et de formes est immense et riche.L’objectif général est l’aisance d’interprétation en soliste et en ensemble d’un répertoire monodique etpolyphonique, dans les différentes formes et langues de cette époque occidentale médiévale. Nousrechercherons une/ds interprétations possibles avec une vraie recherche d’authenticité dans la limite desconnaissances disponibles de l’époque concernée, tout en adaptant cette même interprétation à un publicd’aujourd’hui.Le répertoire abordé sera celui des manuscrits du Moyen Âge dit ‘occidental’ allant du IXe jusqu’au au débutdu XVe siècle, soit en transmission orale directe soit en travaillant directement à partir de la notationoriginale mais toujours dans le but de retrouver une interprétation sans partitions.La pédagogie inclue un travail régulier du corps en tant qu’instrument de la voix, l’analyse des textes et desformes poétique, découverte des prononciations dites ‘à l’ancienne’ du français, allemand, latin, occitan…

Le programme « Outils pour la création dans le cadre des musiques modales, de A à Z » propose une exploration complète du processus créatif en musique modale, en couvrant les traditions d’Afrique du Nord, des Balkans, de la Méditerranée, du Moyen-Orient, de l’Asie centrale et du sous-continent indien, ainsi que la musique modale européenne médiévale et contemporaine. Les élèves abordent à la fois l’étude des modes, des rythmes, des formes musicales, et des aspects historiques, sociaux et culturels de chaque style. Le cursus combine des enseignements techniques et théoriques, la pratique instrumentale et vocale individuelle et collective, ainsi que la création, l’arrangement et l’expérimentation sonore, en studio ou en concert. Il favorise également le travail collaboratif et l’autonomie artistique, permettant aux élèves de développer leur propre langage musical tout en s’appropriant un vaste héritage traditionnel.

Le programme « Rythmes et improvisations dans la modalité perse et indienne » proposé par Keyvan Chemirani offre une formation progressive et complète destinée aux musiciens de tous horizons. Il combine l’étude approfondie des rythmes et des modes orientaux avec le développement de la sensibilité artistique et créative de chaque élève. À travers trois cycles, les participants acquièrent d’abord les bases techniques et rythmiques, explorent ensuite des compositions plus complexes et les formes mélodiques modulantes, avant d’atteindre l’autonomie dans l’interprétation, l’improvisation et la création personnelle. La formation inclut l’apprentissage des techniques instrumentales, du chant et de la pratique collective, l’analyse des répertoires traditionnels persans, indiens, grecs et turcs, ainsi que la possibilité de constituer un répertoire personnel et de réaliser des projets musicaux solistes ou en groupe. L’approche pédagogique met l’accent sur l’écoute, la mémoire, la créativité, la précision technique et la capacité à interagir musicalement avec les autres.

« Khöömii » (litt. pharynx en langue mongole) désigne la technique vocale d’une personne superposant intentionnellement plusieurs sons simultanément avec sa voix, dont deux lignes distinctes : une mélodie d’harmoniques réalisée au-dessus d’un son fondamental appelé « bourdon »,accompagnés de multiples résonances. Selon la modulation, la hauteur de bourdon et la pression exercée sur la gorge, on trouve de nombreuses techniques de khöömii, identifiables par leurs variations du timbre vocal. Elles se regroupent sous deux styles principaux : le kharkhiraa khöömii(khöömii profond) et l’isgeree khöömii (khöömii sifflé). S’ajoutent à cela des techniques pour enrichirle timbre de la voix et d’autres à caractère ornemental, qui peuvent d’ailleurs être combinées entre elles. Parmi les usages de la voix, son approche s'apparente plus à une perception d'instrumentiste. Cette technique vocale peut être utilisée telle qu’elle a cappella, accompagnée par les instruments de musique traditionnelle mongole (vièle morin khuur, luth tovshuur ou dombra, guimbardes, flûtes,cithares, etc.) ou autres. Le khöömii est employé dans les créations contemporaines ou fusions issues de la World Music et d'autres courants au niveau international, et parfois dans des compositions de musique classique.

Cet atelier propose une immersion dans la musique klezmer, tradition musicale des communautés juives d’Europe de l’Est. Les participants apprendront à interpréter des mélodies et danses du répertoire klezmer (hora, freylekh, bulgar, terkish, khosidl), des nigunim, des chansons domestiques et quelques mélodies issues du culte juif. L’atelier combine travail technique et théorique, exploration des modes klezmer et des ornements typiques, apprentissage de l’improvisation et écoute comparative des enregistrements historiques et contemporains. L’approche met l’accent sur la pratique instrumentale et la sensibilité au style, tout en valorisant la compréhension culturelle, la transmission orale et le phrasé spécifique de cette musique traditionnelle. Les participants peuvent venir avec leur instrument et des morceaux ou arrangements à travailler.

Cette formation immersive, dirigée par Milena JELIAZKOVA, permet aux participants de plonger dans la richesse du chant folklorique bulgare. Le programme met l’accent sur la complexité rythmique, la modalité, les styles régionaux, les techniques vocales et d’ornementation, ainsi que la polyphonie. Les participants apprendront à interpréter les chants traditionnels bulgares, profanes et sacrés, en alliant précision rythmique, justesse vocale et expression émotionnelle. La masterclass propose également un travail corporel et scénique, ainsi qu’une initiation à l’improvisation et à la création collective.

Le Kathak est la forme de danse classique dominante dans le nord de l'Inde. Le mot Kathak dérive du mot sanscrit « Kathaa», l'art de raconter une histoire. L'expression « Katha Kahe so Kathak » signifie que quiconque raconte une histoire, en dansant et chantant est un Kathak. Les mouvements des mains (mudras), et du corps, combinés aux expressions (abhinayas), étaient utilisés pour narrer une histoire, accompagnés de musique et de chant.Ainsi naquirent le Kathak et les Kathakars. À l'origine, les Kathakars racontaient des histoires mythologiques (harikatha) dans les Temples Hindous du Nord de l'Inde. Il ne fait donc nul doute que leur art était profondément imprégné de spiritualité, religion, et philosophie hindoues. La connaissance des Kathakars – compositions et chorégraphies – se transmettait oralement dégénération en génération. Entre le 12e et le 18e siècle, le Kathak était pratiqué dans les somptueux palais des Empereurs Moghols, mais aussi avant dans les cours des Maharajas Hindous. Du statut d'art totalement dévotionnel, le Kathak devint une danse de cour, un agrément destiné au loisir de puissants Seigneurs. Il s'enrichit alors considérablement, puisant des éléments de la culture persane, et évoluant ainsi en accord avec l'esthétique de la culture musulmane. La forme de Kathak que nous connaissons aujourd'hui remonte à l'ère moghole, période pendant laquelle les expressions et gestes gagnèrent en subtilité. Les artistes étaient en effet capables de dépeindre un sujet de différentes façons, chacune ayant un large éventail de nuances. La danse pure (nritta) devint plus sophistiquée et rapide, le rythme, les mouvements et pirouettes plus complexes. Pendant cette même période, le Kathak se vit également imprégné de poésie Urdu, et de poèmes en Braj (un des derniers empereurs moghols, Wajid Ali Shah, composa lui-même plusieurs chansons sur Krishna en Braj). De nos jours, le Kathak est la seule forme de danse classique indienne qui présente une forte symbiose entre les cultures hindoues et musulmanes. L'enseignement proposé par Sharmila Sharma est inspiré de la méthode traditionnelle indienne pratiquée depuis des siècles de maître à disciple « Guru-shishya Parampara », Il s’agit de la lignée de transmission des connaissances d’une succession de maître à l'élève par la tradition orale. La rigueur grammaticale est transmise par écrit quant aux subtilités d'interprétations et d'improvisation, elles sont enseignées d'une part oralement et d'autre part par une mise en pratique.

Cette master class propose l’apprentissage des chants traditionnels grecs et d’Asie-Mineure, incluant les répertoires de Macédoine, Thrace, des îles de la Mer Égée, d’Asie-Mineure et le Rébétiko. Les participants travailleront la technique vocale, les ornementations, les rythmes et l’improvisation, tout en s’initiant à la langue grecque, à la théorie modale et à la métrique des textes. Le cours combine transmission orale et utilisation de partitions, en pratique individuelle et collective.

Sefarad signifie Espagne en hébreu. Ce mot désigne en premier lieu les descendants des juifsexpulsés d’Espagne en 1492 à la suite de la chute du Royaume de Grenade, dernier épisode de lareconquête chrétienne de la Péninsule Ibérique. Par extension, on nomme ainsi les communautésjuives du monde arabo-musulman, maghrébin notamment. Les chants séfarades recouvrent ces deux définitions. Le répertoire judéo-espagnol d’abord, et pluslargement, la musique judéo-arabe, profane ou liturgique. À cette mosaïque musicale s’ajoute leriche répertoire séfarade des pays de l’ex-empire ottoman, notamment de la Grèce (Thessalonique,Rhodes, Istanbul ...). Ces chants, en judéo-espagnol, mais aussi parfois en hébreu, en grec ou enturc, portent l’empreinte des cultures locales avec lesquelles les communautés juives séfarades ontcoexisté après leur exil d’Espagne. Leur esthétique musicale se caractérise par l’usage de modes variés, des rythmes complexes et unphrasé ornementé, hérités à la fois de l’Espagne médiévale et des traditions musicales ottomaneset balkaniques. Ces chants trouvent leur origine dans une histoire commune, celle de l’Espagnemédiévale. De là, leur parenté avec la musique arabo-andalouse et la musique médiévale, aveclesquelles ils partagent souvent le corpus poétique et l’esthétique musicale, strictement modale(sauf pour les chants de facture plus récente, très variés, pouvant être influencés par la tonalité occidentale). Le cursus s'adresse aux amateurs et professionnels ayant si possible déjà une pratique du chant. Il n'est en revanche pas indispensable d'avoir une formation musicale au préalable, cette musique se transmettant à la base oralement. L'enseignement se fera à la fois par transmission orale,partitions et écoute d’enregistrements de référence. Le cursus est également ouvert aux instrumentistes.

Cette masterclass offre une immersion dans l’univers complexe et subtil des makams, fondements de la musique turque et ottomane. Les participants étudieront les phrases mélodiques caractéristiques des makams, leur construction et leur utilisation dans des compositions historiques et contemporaines, ainsi que les principes de l’improvisation (Taksim) et de la composition modale. L’accent est mis sur la créativité individuelle et l’exploration musicale, tout en respectant les spécificités des systèmes microtonaux et rythmiques propres à cette tradition. Les participants recevront des partitions en notation turque Ezgi/Arel/Yekta avant le séminaire et seront guidés dans l’apprentissage des makams de base et composés, des exemples de répertoire historique et des applications pratiques en improvisation et composition.

Cette formation avec Lamine Cissokho propose un parcours complet autour de la kora, instrument emblématique de la tradition mandingue. Elle permet aux participants de perfectionner leur pratique, de maîtriser les principaux modes d’accordage (Silaba, Tomora, Ardino/Sawta), et d’approfondir leur compréhension des techniques de jeu et du répertoire traditionnel. À travers l’écoute et l’analyse de morceaux emblématiques du Mali, du Sénégal et de la Sénégambie, les participants apprendront à identifier les accords et à interpréter les pièces dans leur contexte culturel et historique. La formation combine travail pratique, improvisation, composition et réflexion sur l’héritage musical, offrant une approche complète pour développer technique, expression artistique et connaissance approfondie de la kora.

La masterclass de Musique de l’Inde et Improvisation avec Henri Tournier propose une immersion intensive dans la musique classique indienne du Nord (Hindustani), centrée sur la flûte bansuri et l’art de l’improvisation. Destinée aux instrumentistes et chanteurs de niveau avancé ou bon amateur, elle ne nécessite pas de lecture musicale préalable. Au cours de cette masterclass, les participants explorent les fondamentaux des ragas et talas, développent leur technique instrumentale ou vocale, et travaillent l’écoute, la créativité et l’expression improvisée. Des exercices collectifs et individuels permettent d’approfondir la pratique et de créer des dialogues musicaux, tout en s’initiant à l’analyse et à la théorie de la musique indienne. Des ateliers d’improvisation et de direction complètent la formation pour enrichir l’expérience musicale et permettre l’application des concepts dans d’autres esthétiques. Cette masterclass est ouverte à tous, avec une attention particulière portée à l’accessibilité et à l’inclusion : des aménagements sont possibles pour garantir une expérience adaptée à chacun. Elle se déroule à l’IIMM et en partenariat avec les conservatoires de Marseille et d’Aubagne, offrant un cadre stimulant et professionnel pour progresser rapidement en musique indienne et improvisation.

Le Kathak est la forme de danse classique dominante dans le nord de l'Inde. Le mot Kathak dérive du mot sanscrit « Kathaa», l'art de raconter une histoire. L'expression « Katha Kahe so Kathak » signifie que quiconque raconte une histoire, en dansant et chantant est un Kathak. Les mouvements des mains (mudras), et du corps, combinés aux expressions (abhinayas), étaient utilisés pour narrer une histoire, accompagnés de musique et de chant.Ainsi naquirent le Kathak et les Kathakars. À l'origine, les Kathakars racontaient des histoires mythologiques (harikatha) dans les Temples Hindous du Nord de l'Inde. Il ne fait donc nul doute que leur art était profondément imprégné de spiritualité, religion, et philosophie hindoues. La connaissance des Kathakars – compositions et chorégraphies – se transmettait oralement dégénération en génération. Entre le 12e et le 18e siècle, le Kathak était pratiqué dans les somptueux palais des Empereurs Moghols, mais aussi avant dans les cours des Maharajas Hindous. Du statut d'art totalement dévotionnel, le Kathak devint une danse de cour, un agrément destiné au loisir de puissants Seigneurs. Il s'enrichit alors considérablement, puisant des éléments de la culture persane, et évoluant ainsi en accord avec l'esthétique de la culture musulmane. La forme de Kathak que nous connaissons aujourd'hui remonte à l'ère moghole, période pendant laquelle les expressions et gestes gagnèrent en subtilité. Les artistes étaient en effet capables de dépeindre un sujet de différentes façons, chacune ayant un large éventail de nuances. La danse pure (nritta) devint plus sophistiquée et rapide, le rythme, les mouvements et pirouettes plus complexes. Pendant cette même période, le Kathak se vit également imprégné de poésie Urdu, et de poèmes en Braj (un des derniers empereurs moghols, Wajid Ali Shah, composa lui-même plusieurs chansons sur Krishna en Braj). De nos jours, le Kathak est la seule forme de danse classique indienne qui présente une forte symbiose entre les cultures hindoues et musulmanes. L'enseignement proposé par Sharmila Sharma est inspiré de la méthode traditionnelle indienne pratiquée depuis des siècles de maître à disciple « Guru-shishya Parampara », Il s’agit de la lignée de transmission des connaissances d’une succession de maître à l'élève par la tradition orale. La rigueur grammaticale est transmise par écrit quant aux subtilités d'interprétations et d'improvisation, elles sont enseignées d'une part oralement et d'autre part par une mise en pratique.

Cet atelier propose de s’initier et de découvrir le chant long mongol (Urtyn Duu), une technique vocale emblématique des steppes de Mongolie et de Mongolie-Intérieure. Ouvert à tous à partir de 18 ans, il s’adresse aussi bien aux débutants qu’aux musiciens confirmés. Les participants exploreront les fondements techniques du chant long, tels que les transitions entre voix de poitrine et voix de tête, les glissandi, les trémulations laryngées et autres ornements mélismatiques, tout en apprenant à interpréter un chant traditionnel. Le travail se fera à travers la poésie mongole, avec son rythme non mesuré et ses nuances expressives, et pourra être accompagné d’instruments traditionnels comme la vièle cheval (Morin Khuur) ou la flûte en bambou (Limbe). Guidé par Erdenetsetseg Khenmedekh, voix majeure de Mongolie, et assisté de Johanni Curtet pour un éclairage ethnomusicologique, cet atelier offre une immersion unique dans l’une des techniques vocales les plus riches et rarement représentées en Occident.

Cette masterclass propose une immersion dans les répertoires classiques et contemporains du chant oriental, issus des pays du Moyen-Orient (Égypte, Syrie, Liban, Jordanie) et du Grand Maghreb (Maroc, Algérie, Tunisie), riches de leurs racines arabo-andalouses. Les participants exploreront différents types de chants : classiques de poésies chantées (muwashah, qasidas, dawr, maalouf), sacrés (zikr, psalmodie coranique, poèmes de grands soufis comme Jalaludine Rumi, Hallaj ou Ibn Arabi), traditionnels (chants des mariages, naissances, récoltes ou chants des pêcheurs), contemporains (œuvres de Oum Kalsoum, Fayrouz, Majda Roumy, Saliha, Abdelhalim Hafez) et improvisations (mawâl, istikhbar). L’apprentissage intègre également l’alphabet arabe et des notions de langue, tant littéraire que dialectale, afin de mieux comprendre et interpréter les textes chantés. L’enseignement repose sur la méthode traditionnelle de la relation maître‑élève, privilégiant la transmission orale, la mémoire et l’expression vocale. Lorsque la maîtrise est acquise, l’enregistrement audio ou vidéo peut être autorisé, permettant à l’élève de suivre sa progression et d’affiner sa technique tout en respectant l’authenticité de la tradition. Cette approche vise à développer simultanément la voix, la mémoire et la sensibilité artistique, tout en offrant aux participants une expérience immersive et pratique du chant oriental, adaptée à tous les niveaux, du débutant au chanteur expérimenté, et permettant une interprétation personnelle et authentique des répertoires enseignés.

Cette masterclass propose une immersion dans le répertoire des chants séfarades, musique des descendants des Juifs expulsés d’Espagne en 1492 et des communautés juives du monde arabo-musulman et ottoman. Les participants découvriront les chants en judéo-espagnol, hébreu, grec ou turc, héritiers des cultures locales rencontrées après l’exil d’Espagne. Ces chants, profanes ou liturgiques, se distinguent par des modes variés, des rythmes complexes et un phrasé ornementé, mêlant influences de l’Espagne médiévale, de la musique arabo-andalouse et des traditions ottomanes et balkaniques. La masterclass s’adresse aux chanteurs amateurs ou professionnels souhaitant explorer ce répertoire, mais reste ouverte aux instrumentistes. Aucune formation musicale préalable n’est nécessaire, car l’enseignement repose principalement sur la transmission orale, l’écoute d’enregistrements de référence et l’utilisation de partitions. L’accent est mis sur l’interprétation, la sensibilité artistique et la compréhension des contextes culturels et historiques de ces chants. Les participants travailleront la technique vocale, le phrasé ornementé et l’expression musicale, et auront l’occasion de se produire en solo ou en groupe. Le suivi se fait par observation, conseils personnalisés et retour immédiat de l’enseignant, avec une attestation de participation délivrée à l’issue de la masterclass pour valider l’expérience acquise.

Découvrez l’art du daf, tambour emblématique du Kurdistan d’Iran, à travers une approche alliant pratique instrumentale, rythmes traditionnels et poésie soufie. Cette formation immersive s’adresse à tous les niveaux et propose d’explorer la richesse des rythmes kurdes, en lien avec le chant et les textes poétiques de Hafez et de Mowlânâ Rûmi.

Les chants polyphoniques bulgares, profanes et sacrés, ont traversé les siècles en sauvegardant leur originalité. Largement diffusés en France depuis une trentaine d’années, ils restent cependant énigmatiques pour les oreilles occidentales. La musique populaire et traditionnelle dissonante caractéristique des chants profanes bulgares, qui se sont transmis oralement pendant les siècles, continue de toucher tous les publics grâce à sa forte charge émotive. La polyphonisation des chants traditionnels est un procédé assez récent, datant du XXe siècle seulement, mais les monodies et diphonies traditionnelles bulgares bouleversent depuis longtemps les interprètes débutants. L’enthousiasme communicatif de ces trois types de chants bulgares – monodies, diphonies & polyphonies – incite de plus en plus d'auditeurs amateurs, mais aussi d'étudiants pratiquant le chant et souhaitant enrichir leurs connaissances musicales ainsi que leurs professeurs, à franchir le pas vers l’interprétation. Vouloir s'initier à cet art polyphonique implique déjà la conscience d'un travail de groupe à accomplir,la notion même de « polyphonie » invitant à une plus grande écoute à l'Autre, mais également à une prise de conscience de soi au sein d'un ensemble de personnes chantantes. Ainsi, chanter des polyphonies bulgares devient synonyme de travail d'équipe – travail qui appelle le plaisir sonore, le plaisir d'être ensemble, de créer du son ensemble, de faire sens ensemble. Interpréter des chants polyphoniques signifie accepter sa propre voix (voie) au sein du groupe, mais aussi l'harmoniser avec celles des autres, et créer ainsi ensemble une unité à partir des différences de chacun.

Le cursus de bandonéon proposé par l’IIMM offre une formation complète, allant de l’apprentissage des fondamentaux à la maîtrise technique et à l’autonomie musicale. Il s’appuie sur un répertoire varié, incluant des œuvres classiques, des tangos argentins et uruguayens, ainsi que des compositions contemporaines. Les élèves développent leur technique instrumentale, leur sensibilité musicale et leur capacité à improviser et à composer, tout en participant à des pratiques collectives et à des projets de concerts. La formation intègre également des cours de culture musicale, d’analyse, de théorie et d’écoute, permettant une compréhension approfondie des répertoires abordés et favorisant l’émergence d’un style personnel. Adaptée aux enfants, adolescents et adultes, débutants ou confirmés, cette formation vise à faire du bandonéon un véritable instrument de musique polyvalent, au-delà de son image traditionnelle liée au tango.

Cette masterclass propose une immersion dans la musique arabo-orientale à travers le violon, en mettant l’accent sur l’oralité, l’improvisation et la composition collective. Les participants exploreront les maqâms arabes, leurs micro-intervalles et leurs mélismes caractéristiques, tout en établissant des correspondances avec d’autres traditions musicales orientales, du Maghreb jusqu’en Inde. La formation offre un espace de liberté et d’ouverture, favorisant l’échange, la rencontre et la créativité collective. Les participants seront guidés pour développer un discours musical cohérent, améliorer leur technique instrumentale et ornementale, et stimuler leur partition intérieure, tout en expérimentant la polyrythmie et les phénomènes de tension/détente propres à la musique modale.

Cette formation propose une immersion dans la musique arabo-andalouse, en combinant l’apprentissage des tab’ (modes musicaux), l’improvisation (istikhbar) et l’ornementation vocale et instrumentale. Les participants découvriront l’histoire, la poésie et la sociologie de cette tradition, ainsi que son instrumentarium spécifique, allant des instruments classiques maghrébins (ûd, kouitra, qanûn, ney, percussions) aux instruments adoptés plus récemment (violon, alto, cello, mandoline) ou médiévaux (rebek, harpe celtique, flûte à bec). Les exercices sont conçus pour chanter et jouer, favorisant la compréhension des structures musicales et l’expression personnelle à travers les inqilab et l’istikhbar. La formation permet de travailler à la fois sur le répertoire, les techniques ornementales et l’improvisation, avec une restitution collective en fin de stage.

Le programme Oud – initiation et perfectionnement propose une approche progressive et structurée de l’apprentissage du oud, destinée aux enfants à partir de 7 ans et aux adultes débutants. Il permet de découvrir l’instrument, son histoire, son rôle culturel et les grands principes du langage musical qui lui sont associés. L’enseignement aborde pas à pas les techniques fondamentales du jeu, les notions théoriques essentielles (modes, rythmes, formes musicales) ainsi que l’écoute et l’analyse d’enregistrements de référence. À travers une pratique individuelle et collective, les élèves explorent un large répertoire issu des traditions du pourtour méditerranéen, du Maghreb aux musiques arabes et ottomanes. Le programme vise à développer la maîtrise technique, la sensibilité musicale et l’autonomie progressive de l’élève, tout en favorisant une compréhension culturelle approfondie des musiques étudiées.

L’enseignement du chant oriental s’appuie principalement sur les répertoires classiques des pays du Moyen-Orient ayant vu naître la musique des palais, tels que l’Égypte, la Syrie, le Liban ou la Jordanie, ainsi que sur les traditions du Grand Maghreb (Maroc, Algérie, Tunisie), riches de leurs racines arabo-andalouses. Sont ainsi abordés différents répertoires : classiques, avec des poésies chantées comme le muwashah, les qasidas, le dawr ou le maalouf ; sacrés, comprenant le zikr, la psalmodie coranique et les poèmes de grands soufis tels que Jalaludine Rumi, Hallaj ou Ibn Arabi ; traditionnels, pour les occasions telles que mariages, naissances, récoltes ou chants des pêcheurs ; contemporains, incluant Oum Kalsoum, Fayrouz, Majda Roumy, Saliha ou Abdelhalim Hafez ; ainsi que l’improvisation à travers le mawâl ou l’istikhbar. L’apprentissage intègre également l’étude de l’alphabet et de la langue arabe, tant littéraire que dialectale. La transmission se fait selon la méthode traditionnelle de maître à élève, privilégiant la mémoire et la voix, bien que l’enseignante autorise parfois l’enregistrement audio ou vidéo une fois la tradition orale assimilée, afin de soutenir l’évolution de l’élève dans cette spécialité.

Cette masterclass propose une immersion dans les rythmes et improvisations des traditions musicales persane et indienne. À travers l’écoute, la pratique instrumentale et l’improvisation, les participants découvriront les cycles rythmiques, les modes orientaux et les formes mélodiques emblématiques de ces répertoires. Ouverte à tous les musiciens ayant une maîtrise instrumentale de base, elle favorise le développement de la créativité, de la sensibilité musicale et de l’expression individuelle, tout en explorant le dialogue musical et la composition personnelle dans un cadre collectif ou soliste.

Cette masterclasse propose de s’initier et de se perfectionner à la vièle à tête de cheval mongole (Morin Khuur). Ouvert à tous à partir de 18 ans, le stage s’adresse aussi bien aux débutants qu’aux musiciens confirmés. Les participants découvriront les fondements techniques de l’instrument, apprendront différentes techniques de jeu et exploreront un répertoire riche et varié, allant des airs traditionnels aux pièces solistes virtuosistes. Selon le niveau et l’intérêt, le travail pourra inclure l’accompagnement du chant diphonique (khöömii) ou d’autres formes de chant, permettant d’allier la pratique instrumentale à la voix. Guidée par Mandakhjargal, dont la démarche allie tradition familiale et expériences musicales variées, cette formation offre une immersion dans la culture mongole et ouvre une perspective pédagogique innovante pour l’enseignement du Morin Khuur en France.

La masterclass vise à développer chez chaque participant une maîtrise technique des percussions orientales (Darbuka, Riq, Bendir), en consolidant la précision rythmique, la coordination des mains et la fluidité des gestes. Elle encourage également l’expressivité artistique et la créativité, à travers l’interprétation des répertoires traditionnels et contemporains du Moyen-Orient et des régions voisines, ainsi que l’improvisation. Les participants acquièrent une compréhension approfondie des rythmes, des Maqams et des contextes culturels dans lesquels ces musiques se sont développées, et renforcent leur autonomie musicale, leur capacité à jouer en solo ou en ensemble, ainsi que leur aptitude à concevoir des projets artistiques personnels. Enfin, la masterclass favorise le développement de la sensibilité auditive, la mémoire rythmique et l’adaptabilité, en respectant l’authenticité des traditions musicales enseignées.

Le cursus de Musique de l’Inde et Improvisation avec Henri Tournier propose une formation complète en musique classique indienne du Nord (Hindustani), centrée sur la flûte bansuri et l’art de l’improvisation, ouverte à tous les instrumentistes et chanteurs de niveau avancé ou bon amateur, sans exigence de lecture musicale. Sur quatre ans, le programme se décline en trois cycles : l’apprentissage des fondamentaux, la maîtrise des acquis et le perfectionnement avec pratique de l’autonomie, incluant la pratique individuelle et collective, l’étude des ragas et talas, le développement de l’écoute, de la créativité et de la technique musicale, ainsi que des ateliers de direction. La formation intègre également la culture musicale indienne, l’histoire, l’analyse et la théorie, tout en offrant des outils pour enrichir l’improvisation dans d’autres esthétiques musicales. Le cursus se déroule à l’IIMM et en partenariat avec les conservatoires de Marseille et d’Aubagne, et il est conçu pour être accessible aux personnes en situation de handicap, avec des aménagements possibles afin de garantir une expérience inclusive et adaptée à chacun.

Cette formation propose un cours sur mesure, adapté au niveau de chaque participant, dédié à la pratique du kanoun et à la découverte de la musique traditionnelle arménienne. Elle s’adresse aussi bien aux débutants qu’aux musiciens souhaitant approfondir leurs connaissances et leur pratique. Le programme vise à initier les participants aux techniques fondamentales du jeu du kanoun, tout en développant une compréhension musicale ancrée dans la tradition orale et écrite arménienne. Les stagiaires travailleront sur des chants, airs de danse et rythmes populaires, éléments essentiels de ce répertoire. L’apprentissage se fera à travers : - l’étude de pièces issues du répertoire traditionnel arménien (notamment Komitas), - un travail à l’oreille et/ou à partir de partitions simples, - des écoutes commentées et analyses d’extraits sonores, mettant en lumière le rôle de l’oralité et de l’écriture dans la transmission musicale. La formation est ouverte à tous, instrumentistes et chanteurs, de tout niveau et de tout horizon musical. Les participants sont invités, si possible, à venir avec leur instrument (kanoun arménien, turc, arabe ou grec). Un kanoun peut également être mis à disposition selon les besoins et les disponibilités.

La musique du Moyen Âge se transmettait initialement uniquement oralement. Si les manuscritsdisponibles actuellement ne nous en offrent qu’une sauvegarde partielle, il est force de constater que lavariété de styles, de langues et de formes est immense et riche.L’objectif général est l’aisance d’interprétation en soliste et en ensemble d’un répertoire monodique etpolyphonique, dans les différentes formes et langues de cette époque occidentale médiévale. Nousrechercherons une/ds interprétations possibles avec une vraie recherche d’authenticité dans la limite desconnaissances disponibles de l’époque concernée, tout en adaptant cette même interprétation à un publicd’aujourd’hui.Le répertoire abordé sera celui des manuscrits du Moyen Âge dit ‘occidental’ allant du IXe jusqu’au au débutdu XVe siècle, soit en transmission orale directe soit en travaillant directement à partir de la notationoriginale mais toujours dans le but de retrouver une interprétation sans partitions.La pédagogie inclue un travail régulier du corps en tant qu’instrument de la voix, l’analyse des textes et desformes poétique, découverte des prononciations dites ‘à l’ancienne’ du français, allemand, latin, occitan…

Le programme Musique ancienne et traditionnelle chinoise propose un enseignement du Gu Zheng, inspiré des méthodes des conservatoires chinois. Ouvert dès 7 ans, il s’adresse aux débutants comme aux instrumentistes confirmés. La formation associe pratique instrumentale, culture musicale, analyse, improvisation et pratique collective, autour du répertoire chinois classique, ancien, traditionnel et contemporain. Structuré en trois cycles, le cursus permet l’obtention de diplômes reconnus (B.E.M, C.E.M, D.N.E.M) en partenariat avec des conservatoires agréés.

Le programme de maîtrise des percussions orientales, dirigé par Youssef Hbeisch, a pour objectif d’offrir aux élèves une compréhension approfondie des rythmes du Moyen-Orient et des cultures musicales voisines, telles que la Turquie, les Balkans, l’Afrique du Nord ou la Perse, en lien avec les modalités et les Maqams. Il permet de développer une maîtrise technique des instruments (Darbuka, Riq, Bendir) ainsi qu’une sensibilité artistique et créative, adaptée à tous les niveaux et à toutes les cultures musicales. Le cursus se déroule sur trois cycles progressifs. Le Cycle 1, dédié à l’apprentissage des fondamentaux, permet d’acquérir les rythmes traditionnels et populaires, de pratiquer individuellement et collectivement, et d’étudier la théorie, la culture musicale et l’improvisation. Le Cycle 2, centré sur la maîtrise des acquis, approfondit la technique et l’interprétation, intègre des répertoires savants et populaires et conduit à l’obtention du B.E.M. Le Cycle 3, consacré au perfectionnement et à l’autonomie, favorise le développement de l’autonomie musicale, de l’improvisation, de la direction d’ensemble et des projets personnels, et prépare aux diplômes C.E.M. ou D.N.E.M. Le programme inclut également des cours de formation musicale en partenariat avec les conservatoires de Marseille et d’Aubagne, ainsi qu’une pratique instrumentale et vocale accompagnée d’une analyse culturelle et historique des répertoires. L’évaluation se base sur l’assiduité, la progression technique et artistique, les bilans semestriels et les examens de fin de cycle devant des jurys internes et externes, avec des mentions allant de assez bien à très bien. Ce cursus est ouvert aux adolescents et adultes dès 13 ans ayant déjà une certaine maîtrise de leur instrument ou de leur voix, et prépare les élèves à des études supérieures en musicologie, en formation professionnelle de musicien ou à des diplômes d’État et certificats d’aptitude en musique traditionnelle et ancienne.

Le programme Maîtrise du oud et traditions musicales du Moyen-Orient propose un parcours progressif et approfondi dédié à l’apprentissage de l’oud et à la découverte des grandes traditions musicales moyen-orientales. Il articule le développement de la technique instrumentale, la compréhension des langages musicaux (maqâm, rythmes, formes), et l’exploration des contextes culturels et historiques propres aux répertoires arabes et ottomans. Tout au long du cursus, les élèves travaillent sur un répertoire varié issu notamment des anthologies *Sharqiyat*, ainsi que sur des œuvres de grands oudistes et compositeurs de référence. L’enseignement combine pratique individuelle et collective, écoute et analyse d’enregistrements de référence, théorie musicale, improvisation (taqsim) et travail d’ensemble. Une attention particulière est portée à la posture, au son, à l’expressivité et à la sensibilité artistique, afin de permettre à chaque élève de développer une interprétation personnelle respectueuse des traditions. Le programme s’inscrit dans une logique de cycles, permettant une progression adaptée au niveau de chacun, depuis l’acquisition des fondamentaux jusqu’à l’autonomie artistique et musicale. Il vise à former des musiciens capables de jouer en solo comme en ensemble, d’improviser, d’analyser les styles et de s’inscrire de manière consciente et créative dans les traditions musicales du Moyen-Orient.

La masterclass de Rébétiko, animée par Dimitris Mystakidis, propose une immersion complète dans les gammes modales, l’harmonisation et l’improvisation de cette musique populaire grecque. Sur quatre jours, les participants explorent le répertoire de quatre périodes clés : la fin du 19ᵉ siècle à 1922, la période de Smyrne (1922-1934), l’avant-guerre (1934-1940) et l’après-guerre (1944-1955). La formation combine l’apprentissage des gammes modales majeures et mineures, des accords et des rythmes spécifiques, ainsi que des techniques d’improvisation. Les participants travaillent à la fois à l’oreille et sur partitions, développant leur sensibilité musicale, leur créativité et leur capacité à interpréter le rébétiko dans ses différentes esthétiques. La masterclass est ouverte à tous les instruments et groupes de musique, avec un niveau raisonnable requis, et privilégie une approche pratique et immersive dans la tradition du rébétiko.